La peinture comme quête de soi:
à propos de l'oeuvre
de Philippe Vandenberg

L'histoire de la peinture flamande connaît assez peu d'artistes qui ont témoigné d'une approche joyeuse et insouciante de la vie et de ce qu'elle représente. Les aspects dramatiques, tragiques et, d'une certaine manière, théâtraux dominent, tempérés parfois par l'ironie, la dérision ou l'humour noir. Même pendant la période où prévalait l'art non-figuratif, l'abstraction se présentait plutôt sous forme lyrique et émotionnée que géométrique et sereine. Derrière le masque ironique d'Ensor couve la tragédie; l'humour noir qu'on décèle parfois dans les figures du sculpteur récemment décédé, Roel d'Haese, n'est qu'un écran pour cacher colère, peine et souffrance; dans les tableaux de Constant Permeke, la figure emblématique de l'expressionnisme flamand, on perçoit le chagrin et la résignation. Comme si, historiquement, à la suite de siècles d'oppression politique, militaire et religieuse, l'artiste flamand portait en lui ‘Le combat avec l'ange’ (titre de l'auteur flamand Herman Teirlinck).

Il en est de même pour l'oeuvre du peintre gantois, Philippe Vandenberg (^o1952). Pour cet artiste la peinture est l'expression de la vie elle-même avec ses hauts et ses bas, son tragique et ses questions. Elle est aussi une lutte avec la matière et avec le sens du langage pictural. On peut également parler d'une attitude philosophique conférant à son oeuvre une signification universelle. Cette signification s'exprime aussi bien par des formes emblématiques que par des textes peints. Lors d'une exposition au Musée d'art contemporain de Gand en 1995, l'artiste avait voulu comme sous-titre pour celle-ci ‘Job XIII, 12’ dont le texte dit ‘Vos sentences sont des sentences de cendre, vos retranchements des retranchements de boue’. Cela signifie que l'artiste s'était basé sur un texte qui le touchait, avec lequel il pouvait s'identifier et qui correspondait à ses convictions du moment. Dans une sorte de justification de ces tableaux Vandenberg écrivit: ‘Pour moi la peinture est un médium, une attitude devant la vie qui me situe dans et face à la condition humaine, avec ou sans dieu. (...) Je voudrais que ces versets et mon oeuvre démontrent que dans l'art comme moyen d'expression, il s'agit de l'homme et de sa lutte difficile et parfois magnifique et du courage qu'il lui faut pour la mener.’

Ce n'est pas toujours facile de déceler la signification profonde qu'un artiste a mise dans un tableau ou une sculpture. Comme l'oeuvre est le reflet de la personnalité de l'artiste et de son histoire, du moins chez l'artiste sincère, sa compréhension peut en partie échapper au

spectateur qui ne les connaît pas. Celui-ci par contre peut l'enrichir par son propre entendement et ainsi faire naître un dialogue artistique. L'oeuvre de Philippe Vandenberg, bien qu'ancré dans des éléments très personnels, en offre largement l'occasion. Son style ne lui est pas dicté par une mode ou par des tendances artistiques, il peint d'une façon exubérante, presque expressionniste, parce qu'il y met toute sa personnalité, son énergie, sa passion et ses déchirements.

Après sa formation académique à Gand, il pratiquait un style strictement figuratif, principalement des nus, dans des couleurs calmes, parfois sombres, mais déjà dans un contexte franchement dramatique. Au cours d'un séjour à Paris, il constata que désormais il dominait les techniques du métier et qu'il avait digéré les leçons de l'histoire de l'art. Il affirmait vouloir détruire le virtuose qu'il était devenu, après quoi son oeuvre pourrait vraiment débuter.

A ce relancement, les nus - qui jusqu'alors l'avaient fasciné - furent brisés, déchiquetés de façon presque violente. La facture et le contenu des tableaux en devenaient plus forts, le mouvement pictural plus impétueux, les couleurs plus vives et plus agressives. Ils montraient un mélange d'érotisme et de violence dans lequel l'élément figuratif était supplanté par une certaine forme d'abstraction qui, pourtant, ne dominait pas complètement, car certains motifs restaient présents et gardaient leur sens.

Les nus brisés furent suivis par des séries qui exploraient des thèmes tels que ‘crucifixions’, ‘mangeurs de poisson’, ‘combats’, ‘couples’ et ‘décapitations’. Il est remarquable que cela ne changeât pas l'essence du style qu'il avait trouvé, mais que, dans sa technique picturale - parfois sèche, parfois lourde - il eût développé une préférence pour les couches de peinture superposées. Tout aussi remarquable était l'agressivité qui émanait de l'oeuvre; ce ton provocant était une réaction à l'agressivité de la société que le peintre sentait autour de lui. Il combattait donc le phénomène par une attitude identique et y puisait ses élans créatifs. La couleur aussi y jouait un rôle par l'alternance d'oeuvres sombres en noir et blanc et l'usage de couleurs vives, dominées par le rouge et le violet.

Après une longue période au cours de laquelle les limites entre le figuratif et le nonfiguratif furent constamment franchies, il revint, dans les années 1989-90, à la figuration pure et dure. A nouveau il devait, pour ainsi dire, se détruire pour pouvoir continuer, creuser plus profondément en lui-même, approfondir l'aventure qu'est la peinture. Cette aventure est peut-être restée son principal stimulant. C'est la raison pour laquelle son travail témoigne d'inquiétude, qu'il expérimente sans cesse, se gardant anxieusement des

répétitions et des effets faciles. Dans cette optique, il explore les possibilités du format, grand ou petit, des couleurs, vives ou sombres, de l'emploi de la matière, ténue ou compacte, le motif ne semblant jouer qu'un rôle mineur tout en gardant son importance pour l'ensemble. Son intérêt pour l'introspection philosophique nourrit sa lecture qui donne naissance à une forme de poésie et d'analyse de texte qui se concrétise de plus en plus dans son oeuvre picturale.

Le texte du Livre de Job, mentionné plus haut, a quelque temps orné le mur de son atelier. Pour l'artiste ce n'était pas une simple citation mais au contraire le contenu précis de son attitude envers la société et envers lui-même, à la recherche d'une attitude compréhensive envers les excès du pouvoir, du pouvoir en général comme du sien propre. Le pouvoir couplé à la douleur, à l'opposition, à l'érotisme et au mal. Les oeuvres créées dans cette période en portent, littéralement, les signes, parfois symboliques, parfois réalistes. Des mots isolés y trouvent leur place à côté de symboles comme le coeur, la croix, la couronne d'épines, le serpent. Les traces de la religion dont est issue notre civilisation y sont manifestes: des crucifixions et des pietà désarticulées formant le centre de tableaux au dramatique hallucinant.

Le portrait apparaît comme sujet de séries ultérieures, car l'éruption de l'inspiration se concrétise par des séries. Ces portraits, résultats d'une longue période d'incubation, sont l'expression créative du sentiment de solitude qu'éprouve le peintre face à la toile blanche. Au moyen du portrait il essaye de rompre ce sentiment par une confrontation, un dialogue dans lequel l'essentiel est l'approche psychologique et non le personnage représenté. Dans le portrait la souffrance est symbolisée par l'expression de l'âme, l'offrande par le crâne, l'impuissance par un bras coupé. La couronne désigne à la fois le pouvoir et la souffrance. C'est ainsi que la lutte de l'artiste avec le tragique de la vie trouve une expression significative dans son oeuvre. L'évolution parallèle au niveau plastique s'observe dans son utilisation de la couleur et de la matière. Il se demandait jusqu'où on peut aller dans la recherche du matériau plastique avant que la couleur et la peinture ne deviennent comme de la boue et que toute lumière en disparaisse.

Dans une dernière période apparurent des tableaux composés de toiles plus petites, formant ensemble une seule oeuvre. Fait surprenant, chaque toile est formée d'un mot, peint maladroitement. En outre, un élément plastique est souvent introduit dans l'ensemble de sorte que les aspects graphique et plastique se confondent. C'est de la peinture sur le

fil du rasoir qui constitue en même temps une osmose entre la poésie et la peinture. Cela prouve une fois de plus que Philippe Vandenberg ne craint pas le risque, un risque qui, pour lui, est l'essence même de son art. Cela démontre aussi qu'il remet toujours en question tous ses acquis, aussi bien au niveau du contenu que de la forme et de l'exécution. Ainsi chacun de ses tableaux devient une aventure picturale, même fondamentale et surtout humaine.

 

LUDO BEKKERS

Critique d'art (AICA).

Adresse: Tentoonstellingslaan 6, 2020 Antwerpen.

 

Traduit du néerlandais par Flory Corbex-Buvens.